'Un musical transparente', serie queer pionera para el escenario

El espectáculo, que ahora presenta su estreno mundial en el Mark Taper Forum de Los Ángeles hasta el 25 de junio, es un recuento de la historia del clan Pfefferman.

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LOS ANGELES – Puede parecer un poco fuera de lo común comenzar una reseña de una producción teatral hablando de una serie de televisión, pero en el caso de "A Transparent Musical", es el lugar lógico para comenzar. El estreno mundial, que tendrá lugar en el Foro Mark Taper de Los Ángeles hasta el 25 de junio, es un recuento de la historia del clan Pfefferman, la familia de Los Ángeles cargada de secretos, profundamente disfuncional y muy judía en el centro de "Transparent", una Amazonía ahora icónica y pionera. serie que se estrenó en 2014 y duró 4 temporadas aclamadas por la crítica antes de terminar con un largometraje especial "Musicale Finale" en lugar de una quinta.

En su forma original, la saga comenzó con la revelación de Maura Pfefferman a sus hijos como una mujer trans, una revelación explosiva que hace tambalearse a la familia privilegiada y ensimismada. A partir de ahí, trazó la transición de Maura a la orgullosa matriarca trans que siempre supo que estaba dentro de ella, así como las luchas de su ex cónyuge (Shelly) y sus hijos (Josh, Sarah y Ali) para navegar por la vida, ambos como familia. y como individuos, en las secuelas.

En temporadas posteriores, la atención se centró más en la hija menor Ali y la búsqueda que emprende de su propia identidad, y después de la controvertida partida de la estrella de la serie Jeffrey Tambor, la historia finalmente culminó con la creación de Ali de un musical sobre la historia de su familia.

Si bien el episodio final ganó su parte de elogios y elogios de la crítica y les dio a los fanáticos de la serie algún tipo de cierre, muchos espectadores no pudieron evitar sentir una sensación de anticlímax; para ellos, las circunstancias en torno a la salida de Maura de la narración (que no entraremos aquí, pueden buscarla si no recuerdan) les dejó algo de sabor amargo en el aire, y mientras la renovada sensación de esperanza y la curación que proporcionó para Ali, sus hermanos y su madre fueron apreciados, el hecho de que a Maura no se le permitiera llegar allí con ellos se sintió, bueno, injusto.

Si bien es posible que el actor que la interpretó ya no fuera adecuado para continuar el viaje, el personaje merecía un destino mucho mejor, y la audiencia que la había apoyado en el transcurso de cuatro temporadas también merecía que ella lo tuviera. En mente, uno podría entrar en "A Transparent Musical", coescrito por el creador de la serie Joey Soloway y MJ Kaufman, con música y letra de la hermana de Soloway, Faith, con expectativas reservadas. De hecho, ¿cómo sería una adaptación musical de esta narrativa en expansión, con sus temas sociales y culturales complejos y su elenco extendido de personajes entrelazados? ¿Sería posible que encajaran 41 episodios de narración televisiva en una versión teatral de dos horas y media? Resultó que ni siquiera tuvieron que intentarlo. En cambio, "A Transparent Musical" vuelve a imaginar toda la historia de los Pfefferman en una experiencia independiente y optimizada que se puede disfrutar y apreciar sin ningún conocimiento de la serie. En lugar de colocar a Maura (interpretada aquí por Daya Curley) en el centro de la historia, es la joven Ali (Adina Verson) quien se convierte en nuestro punto de entrada; encargada de ayudar a montar una obra de teatro para el carnaval de Purim de su Centro Comunitario Judío, se ve atraída por un viaje de autodescubrimiento, recordando momentos clave del pasado de su familia y estableciendo conexiones entre su historia y la herencia cultural y étnica multifacética que se extiende detrás de ellos.

Atrás quedaron la mayoría de los viajes secundarios realizados por la serie, junto con muchos de los personajes que no son de Pfefferman, y lo que queda es un recuento reducido que logra sentirse igual de completo, si no más, dado que Maura ahora puede ser incluido en el final, como la serie que los fanáticos llegaron a amar. Por supuesto, recortar las cosas hasta ese punto significa inevitablemente sacrificar muchos matices, y eso tiene un impacto imposible de ignorar en el primer acto del programa, que es largo para empezar, pero se siente aún más largo por eso.

Uno de los desafíos de "Transparente" fue que sus protagonistas eran todos desordenados, egocéntricos, irrazonables, compartimentados, deshonestos, tercos, rencorosos, incluso a veces deliberadamente crueles entre sí, en fin, todos ellos, incluida Maura (a veces especialmente ella), a menudo eran difíciles de querer.

La gracia salvadora fue la capacidad del programa para dejarnos ver los rincones más profundos de cada una de sus vidas, donde pudimos reconocer y relacionarnos con la humanidad herida que se escondía detrás de todos esos muros de defensa; aquí, sin el lujo de una exploración tan detallada, su desagrado a veces hace que sea difícil preocuparse por si resuelven las cosas por sí mismos o no.

Pero, por supuesto, a uno no le tiene que gustar ni siquiera preocuparse por los personajes para encontrar aspectos de uno mismo reflejados en ellos, y su identificación contribuye en gran medida a mantenernos lo suficientemente involucrados como para quedarnos después del intermedio, y eso es una suerte, porque está en el segundo acto en el que "A Transparent Musical" florece en la manifestación plenamente realizada de la historia de Soloway en la que nunca supimos que debía convertirse.

Sin spoilers, la segunda mitad emplea vuelos de fantasía, ideados y ampliados a partir de elementos incluidos en la serie, para reunir todas las luchas de los Pfefferman y cristalizar todos los temas de la historia en un paquete catártico.

Para cuando termina, la aceptación, el perdón y sí, la trascendencia que ha ocurrido en el escenario nos deja reflexionar sobre cuestiones de nuestra propia identidad y cómo ser vistos por lo que realmente somos hace una gran diferencia en nuestra capacidad de ver a otros que demasiado.

Bajo la dirección de Tina Landau, la producción estalla con imágenes emocionantes y coloridas y una puesta en escena inventiva que nos ayuda a seguir fácilmente los saltos en el tiempo y el lugar que ocurren dentro del entorno envolvente del espectáculo, que, diseñado con autenticidad irónica por Alan Rigg, pone a la audiencia en medio de un auditorio JCC.

Es posible que las canciones de Faith Soloway no permanezcan melódicamente en su cerebro de la manera que normalmente se espera de las melodías de espectáculos, pero sus letras son inteligentes, perspicaces, divertidas y transmiten con éxito hilos complicados de lenguaje e ideas sin dejarnos perder el rastro de ninguno de ellos; junto con la coreografía nítida y llena de energía de James Alsop, es una combinación que brinda una inyección bienvenida de diversión de teatro musical animada.

En cuanto al elenco, un conjunto diverso y talentoso que parece estar pasando el mejor momento de sus vidas, son uniformemente excelentes. Verson merece una mención especial por asumir las responsabilidades narrativas del programa sin distanciarse en el proceso, al igual que Curley por habitar a Maura de manera tan completa que fácilmente olvidamos cualquier encarnación anterior de ella.

Liz Larsen tiene múltiples momentos impresionantes como "¿qué hay de mí?" mamá Shelly, al igual que Peppermint (en el doble papel de Davina y Darlene), cuya poderosa destreza vocal derrumba la casa más de una vez, una hazaña que también logró Kasper como Ezra. Dejando a un lado los momentos destacados, sin embargo, toda la compañía realmente debería considerarse estrellas conjuntas del espectáculo.

No hace falta decir, tal vez, que un programa como "Un musical transparente" es muy importante para ser visto en un momento como el nuestro, ya que la violenta reacción de los fanáticos extremistas se vuelve cada vez más alarmante y los políticos complacen la homofobia con una legislación regresiva y dañina.

Hay momentos en el programa que abordan esta creciente volatilidad, un elemento que aporta un nuevo sentido de urgencia a su mensaje de aceptación, algo que hace mucho más fácil de digerir al mostrarnos que sentirse cómodo en su propia piel es una necesidad humana esencial que se extiende. mucho más allá de la importancia del género, la sexualidad, la raza o cualquiera de los otros factores externos que usamos para dividirnos de los demás.

Aun así, y a pesar de múltiples temas que seguramente serán incómodos, incluso potencialmente desencadenantes, para muchas audiencias, "A Transparent Musical" no es un espectáculo sombrío, ni se detiene en los terrores políticos del mundo en general, incluso si reconoce que ellos están allí. No hace falta decir que muchos de nuestros lectores la considerarán una obra de teatro imperdible, simplemente en virtud de su mensaje y la necesidad de ser visible; Tenga la seguridad de que incluso si va porque siente que tiene que hacerlo, probablemente también lo disfrutará.

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Si eres fanático del teatro, y también eres fanático de las películas clásicas, y también eres queer, entonces el Mes del Orgullo en Los Ángeles tiene un regalo especial para ti.

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BURBANK, Calif. – Si eres fanático del teatro, y también eres fanático de las películas clásicas, y también eres queer, entonces el Mes del Orgullo en Los Ángeles tiene un regalo especial para ti.

Del 2 de junio al 9 de julio, el Victory Theatre Center de Burbank será la sede del estreno mundial de "Porche trasero", una nueva obra de Eric Anderson que utiliza un escenario imaginario dentro de una porción de la vida real de la historia del cine para contar una historia muy extraña, una que rinde un delicioso homenaje a un querido clásico de Hollywood, así como al dramaturgo detrás del trabajo que lo inspiró. El escenario es un pequeño pueblo de Kansas y el año 1955, cuando un equipo de filmación de Hollywood llega a la comunidad para filmar escenas de la película clásica, "Picnic".

Según la sinopsis:

barney cuatro (Karl Maschek) es el padre viudo de dos niños: Gary de 18 años (Isaac W Jay), que anhela escapar de la vida de un pequeño pueblo de Kansas en busca de una existencia más glamorosa, y Del Wayne, un enérgico niño de 13 años (cody limon ). La vida de la familia da un vuelco cuando un apuesto extraño que trabaja como doble de acción de William Holden (jordan morgan ) llega a la ciudad junto con el elenco estelar. Otros personajes incluyen al huésped soltero de los Opats, el profesor de canto Myron Uhrig (eric zak), y su vecino, Millard Goff (jonathan fishman).

No hace falta decir que las chispas comienzan a volar (en más de un sentido) casi de inmediato.

El dramaturgo Anderson, nacido y criado en Kansas, dice que recuerda tener 4 años cuando se filmaron partes de "Picnic" cerca de su casa. "Mi familia condujo hasta el lugar una noche para participar en la escena 'Neewollah' en el río. He estado loco por las películas, y el teatro, desde entonces. Con "Back Porch", quería rendir homenaje a un importante dramaturgo estadounidense que también estaba significativamente encerrado. Esperaba escribir el tipo de obra que él mismo podría haber escrito si hubiera vivido en otro tiempo y lugar".

La obra está dirigida por Kelie McIver, otra nativa de Kansas, quien llega a llamarla una "carta de amor a William Inge". Ella también lo llama "una excelente obra de conjunto en la que cada personaje tiene un arco interesante y hermoso. Los amo a todos y quiero pasar el rato con ellos".

"Back Porch" es presentado por Bluestem Productions. Además de Anderson y McIver, el equipo creativo incluye al escenógrafoKenny Klimak, diseñador de iluminacióncarol doehring, diseñador de sonidoCinthia Nava, diseñador de vestuariomolly martin, coreógrafo de acrobacias/peleasBrett Elliotty directora de intimidadAmanda Rose Villarreal . El director de escena esMargarita Magula.david willisyKelly McIverproducir para Bluestem.

Para obtener información y comprar boletos, llame al (818) 533-1611 o visite el sitio web de la producción.

Los Ángeles, esta es tu oportunidad de escucharla y verla. El finalista de 'RuPaul's Drag Race' sube al escenario en el Mark Taper Forum del 20 de mayo al 25 de junio

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HOLLYWOOD – Hace dos años, Peppermint nos dio una imagen clara de quién es ella y se aseguró de decírnoslo en su canción "A Girl Like Me".

"Ella es fuerte y no se lo quita a nadie".

Como finalista en la novena temporada de "RuPaul's Drag Race", Peppermint quedó en cuarto lugar y fue eliminada durante la filmación real del programa. Sin embargo, la productora cambió de opinión y la puso de nuevo para el final cortando su eliminación de la versión transmitida.

Puede que haya perdido esa competencia, pero ganó algo más grande: la historia. Fue la primera persona trans en competir en "Drag Race". Un año después, RuPaul fue criticado por decir que solo las reinas transgénero que aún no se habían operado, como Peppermint en ese momento, podían competir.

A ella no le hizo gracia. Ella tuiteó un emoji con una gran cremallera en la boca en respuesta. Al día siguiente, RuPaul se retractó y revirtió su política.

"Una chica como yo no siempre es vista como igual, y en ocasiones no lo es en absoluto... Y cuando surgen problemas, ella es la primera en caer".

Recientemente fue trolleada en las redes sociales después del horrible tiroteo en una escuela cristiana. Un loco derechista ansiaba encontrar y destrozar a una persona transgénero real que expresara compasión por el tirador no binario de Nashville. No encontró ninguno, así que creó un tuit falso y lo atribuyó a Peppermint para construir una narrativa de "personas trans como asesinos impenitentes".

El tweet falso advirtió a los posibles asesinos trans que limpiaran sus redes sociales antes de cometer actos atroces y, por lo tanto, proteger a Peppermint y a la comunidad. El mensaje era insensible y un fraude.

Peppermint bloqueó su cuenta de Twitter como "privada" (no más capturas de pantalla de publicaciones de Twitter para atenderte). Ella publicó: "La gente todavía está retocando capturas de pantalla falsas". Luego se hizo cargo de la narrativa: "Atacar a mi personaje con palabras que NUNCA tuiteé. Estoy desconsolada por el terrible tiroteo en TN. Creo que el acceso a las armas es un factor importante en los ataques relacionados con las armas. Los comentarios anti-trans me confunden, no No me disuade de animar a las personas de las comunidades marginadas".

"Una chica como yo puede iluminar cualquier fiesta".

La fiesta Peppermint está llegando a nosotros, Los Ángeles. Peppermint está iluminando el escenario en el Mark Taper Forum, donde protagonizará "A Transparent Musical" del 20 de mayo al 25 de junio. El musical es la versión cómica de la historia de la familia Pfefferman, cuyo patriarca finalmente permite que emerja su verdadero yo. como Maura, la matriarca transgénero que siempre supo que era. Basado en el exitoso programa de televisión original de Amazon Prime "Transparent" de Joey Soloway, "A Transparent Musical" lleva a la familia judía de Los Ángeles en una dirección divertida y musical que los convierte en "Universalmente identificables, imperfectamente humanos y sorprendentemente familiares".

Peppermint está originando el papel de Davina. El papel de la serie fue creado por primera vez por Alexandra Billings. Como Davina, Peppermint dirige la programación en el Centro Comunitario Judío local y es la confidente del personaje principal Maura. En última instancia, Peppermint ayuda a contar la historia de los secretos familiares que descubren una historia de autodescubrimiento, aceptación y celebración.

"Y las chicas como yo estamos asustadas y enojadas, pero siempre encontramos la manera de sonreír..."

Para no limitarse a las representaciones teatrales en vivo, Peppermint irrumpe en la escena de Netflix en la serie "Survival of the Thickest", que se centra en el personaje de Mavis Beaumont interpretado por Michelle Buteau, quien escribió el libro en el que se basa la serie.

Mavis, negra, de talla grande y recién soltera, inesperadamente se ve obligada a reconstruir su vida como una estilista en apuros. Peppermint interpreta a una persona influyente en las redes sociales y propietaria del restaurante drag local. Divertida, súper atrevida y cariñosa, el personaje de Peppermint actúa como la madre drag "adoptada" de Mavis.

"Una chica como yo sabe cómo vivir su verdad".

Si esos proyectos no son suficientes, Peppermint nos muestra su verdad en "SO-SIGH-ETY Effects", su primer especial de comedia stand-up disponible ahora en Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play, YouTube, Vimeo y proveedores de cable en todo el mundo. En el especial, lleva a la audiencia a través de un viaje con todo incluido por Nueva York, donde observa cómo es ser una mujer transgénero negra soltera en la sociedad actual. Peppermint promete risas y lágrimas mientras relata historias de amor y desamor desde el escenario hasta el baño.

"La chica que se esfuerza por el bien pero termina tan incomprendida".

Sin embargo, Peppermint no está aquí solo para ser el centro de atención y el negocio del espectáculo. Es la primera artista embajadora de ACLU para Trans Justice y ha recaudado sumas de seis cifras para destacados grupos de derechos LGBT. Se ha asociado con "MAC AIDS Fund" de MAC Cosmetics y participa en la red de ensayos de vacunas contra el VIH. Se unió a la ganadora de "RuPaul's Drag Race", Sasha Velour, para una gira de conferencias universitarias que se centró en los desafíos que enfrentan las personas transgénero y no binarias en el clima político actual. Fue nominada para un premio GLAAD Media Award 2022 en la categoría de periodismo en línea destacado por su contribución a la serie "Legendary" de Discovery+ (un premio ganado por Los Angeles Blade en 2023). Los honores anteriores incluyen; Nominación al Premio GLAAD Media junto a Lady Gaga y Kehlani como Artista Musical Sobresaliente (2021), "Mejor Compositor" por World of Wonder's Wowie Awards 2020, premio "Queeroes" de Conde Nast (2018), la prestigiosa lista "New Power of New York" de Variety, y fue nombrada una de las personas LGBTQ más influyentes del año en la cartera "OUT100" de la revista Out.

Al final de "A Girl Like Me", Peppermint suplica: "Solo necesito que me escuchen, que me vean, ¿sabes a lo que me refiero? ¿Te dolería tratar de ver, si pudieras amar a una chica, amar a un chica como yo, la chica que lucha por su vida?

Los Ángeles, esta es tu oportunidad de escucharla, verla, reír con ella, llorar con ella y amarla, y seamos sinceros.

La menta es el sabor exacto del dulce que necesitamos en este momento.

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Rob Watson es el presentador del popular programa de radio/podcast basado en Hollywood RATED LGBT RADIO.

Es un columnista y bloguero LGBTQ establecido que ha escrito para muchas de las principales publicaciones en línea, incluidas The Los Angeles Blade, The Washington Blade, Parents Magazine, Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, New Civil Rights Movement y más.

Se desempeñó como editor ejecutivo de The Good Man Project, apareció en MSNBC y fue citado en Business Week y Forbes Magazine.

Es director general de Watson Writes, una agencia de comunicaciones de marketing, y se le puede contactar en [email protected] .

Todavía hay boletos con descuento disponibles a través de LA Theatre Week. "El beso de la mujer araña" se presenta en A Noise Within

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LOS ÁNGELES – La mayoría de nosotros probablemente conocemos "El beso de la mujer araña", ya sea como un aclamado musical de 1993 de los compositores de "Cabaret" y "Chicago" John Kander y Fred Ebb y el dramaturgo queer Terrence McNally, o como una aclamada película de 1985. protagonizada por Raul Julia y William Hurt, el último de los cuales se convirtió en el primer actor en ganar un Oscar por interpretar a un personaje queer (y también el primero de los 8 actores que se identifican directamente en ganar por interpretar queer, pero esa es otra historia).

Muchos de nosotros también sabemos que antes de eso, fue una novela de 1976 del autor argentino Manuel Puig, quien la escribió mientras vivía como exiliado en Greenwich Village después de que un golpe de estado militar colocara a su país natal bajo el gobierno de un brutal y dictadura militar represiva.

Lo que la mayoría de nosotros NO sabemos, quizás, es que antes del éxito generalizado de las ahora clásicas adaptaciones cinematográficas y teatrales de la novela, hubo otra versión de la historia, adaptada a una obra de teatro de 1983 por el propio Puig y traducida al inglés por Allan. Baker para un estreno en Londres en 1985 protagonizado por Simon Callow y Mark Rylance. Es esa adaptación de la obra que ahora se encuentra en el escenario de la compañía de teatro A Noise Within de Los Ángeles, y su momento no podría ser mejor, porque si bien las adaptaciones más famosas del libro, cada una producto de su tiempo y limitado por la falta de lenguaje existente en sus esfuerzos por explorar a fondo sus temas complejos sobre la sexualidad y el género, puede parecer un poco anticuado para muchos de nosotros 2023, una nueva toma desde una perspectiva más informada es todo lo que se necesita para haz justicia al material y revela la auténtica voz queer que ha estado dentro de él todo el tiempo.

Para aquellos que necesitan un repaso, "Spider Woman" es un drama íntimo de dos personajes ambientado en una celda de una prisión de Buenos Aires, donde Valentin, un preso político macho cuyo compromiso con la causa marxista tiene prioridad sobre todo lo demás, se enfrenta con Molina: un soñador amante del cine queer que escapa de la dura realidad de la vida en prisión al volver a contar las historias de sus clásicos del cine negro favoritos y al inspirarse en sus glamorosas protagonistas. Los dos compañeros de celda no coinciden, por decir lo menos, pero de alguna manera se las arreglan para formar una relación poco probable.

En sus notas de prensa para la nueva producción, Michael Michetti ve la dinámica entre estos dos personajes diametralmente opuestos, quienes, unidos en un ambiente opresivo, llegan a entenderse, incluso a amarse, como un quid que "adquiere nueva relevancia en el clima polarizado de hoy". También señala la sorprendente cantidad de humor y diversión contenida en la historia, así como la importancia del lenguaje para impulsarla.

El lenguaje es particularmente crucial para una versión que cuenta la historia sin la ayuda del tipo de conceptos conceptuales elaborados y las ayudas visuales de narración disponibles para una película de gran presupuesto o un musical de Broadway, y eso significa que la carga de usarlo de manera efectiva recae en los dos actores. interpretando a Valentin y Molina: Ed F. Martin y Adrián González, respectivamente.

The Blade habló con ambos sobre los desafíos que enfrentaron al abordar dos roles que ya se hicieron famosos en la imaginación del público por las iteraciones anteriores de alto perfil de la novela, y sus respuestas subrayan todas las razones por las que "El beso de la mujer araña" sigue siendo, quizás más que nunca, una piedra de toque esencial para la cultura queer.

Para Molina, se trataba de encontrar la comprensión correcta de Molina.

"Las versiones anteriores no me afectaron, o al menos no las tomé prestadas. Vi la película hace mucho tiempo, e incluso estuve en una producción del musical, interpretando al Guardián de todas las cosas. entré como yo mismo, y un poco de mi madre, y me sumergí en los ensayos con lo que Adrian y Michael trajeron a la mesa. Y cuanto más profundizábamos, más me enamoraba de Molina como persona".

"Entro en esto como un hombre gay latino", explica. "Pensé en Molina como un hombre gay, pero al leer la novela y analizar la obra, llegué a reconocer que Molina podría ser una mujer transgénero; es difícil decirlo definitivamente, siendo hoy tan diferente de 1975, pero creo que Molina se considera una mujer y emula a las mujeres glamorosas de los años 40 y 50 de las películas que tanto ama".

En cuanto a González, nos dice que no estaba familiarizado ni con el musical ni con la película.

"Admito que cuando estaba audicionando para el papel e investigando un poco, vi algunas escenas de la película. No encontré nada especial a lo que aferrarme. Amo a Raúl Julia, pero somos personas diferentes. y, sinceramente, creo que la historia que cuenta la película es diferente de la historia que estamos contando. Para mí, Valentin es un hombre apasionado en sus creencias y haría cualquier cosa para ayudar a cambiar el mundo para mejor. Eso fue lo que me tocó la fibra sensible".

Elaborando, explica: "Nuestro enfoque para los personajes, particularmente Molina, es lo que hace que nuestra historia sea especial y muy relevante hoy. La tratamos como una mujer trans, en una época y un mundo donde no había lenguaje ni aceptación de ella, y ella termina encontrándolo en una persona poco probable como Valentín, que es lo que hace que esta historia sea realmente especial".

Martín está de acuerdo. "Estas dos personas son polos opuestos en sus puntos de vista, pero en un espacio cerrado se ven obligados a conocerse, escuchar un punto de vista diferente, aprender el uno del otro y, finalmente, encontrar un terreno común o una conexión. Mirando dónde estamos hoy como país, política, social y culturalmente, la obra podría enseñarnos un par de cosas sobre cómo tratarnos unos a otros con respeto a medida que vamos y venimos expresándonos a nosotros mismos y nuestros valores opuestos, o filosofías, o como los llamemos. Lo que realmente lo hace relevante es la necesidad de escuchar".

González está de acuerdo, interviniendo: "Parece que no podemos estar de acuerdo en temas que realmente son derechos humanos básicos, y la voluntad de tener conversaciones y escucharse unos a otros está completamente fuera de la mesa, simplemente hay una falta de empatía entre nosotros. Y mientras tanto, los derechos de las personas dentro de la comunidad LGBTQ+ están siendo atacados".

El potencial de la historia como catalizador del cambio se extiende incluso a los propios actores. Como nos cuenta Martín, “Me ha encantado conocer y descifrar a Molina, dejar que ese personaje sea quien es sin etiquetas de orientación sexual, identidad de género ni nada. Son muchas las reacciones que tiene Molina en la historia que tengo yo mismo. en la vida real, para bien y para mal, y, curiosamente, me hizo preguntarme sobre mí mismo. Como dije, me identifico como un hombre gay, pero gracias a este papel, me pregunto si necesito esa etiqueta. González, resumiendo, expresa su esperanza de que el público encuentre sus corazones y sus mentes igualmente abiertos al experimentar "Spider Woman" con ellos.

"Creo que el teatro y las historias como esta ayudan a dar forma al mundo en el que vivimos. Estemos o no de acuerdo en ciertos temas, si somos capaces de enfrentarnos con empatía y un corazón abierto, podemos ayudar a cambiar el mundo juntos".

"Kiss of the Spider Woman" se presenta en A Noise Within, 3352 E Foothill Blvd, Pasadena, del 1 al 23 de abril.

"Crepúsculo" presenta un conjunto multirracial, cada uno de los cuales se esfuerza por ofrecer representaciones honestas de una vertiginosa variedad de personajes.

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LOS ÁNGELES – "Crepúsculo: Los Ángeles, 1992" es una obra única de "LA". Eso puede parecer una afirmación obvia, después de todo, está justo ahí en el título, pero en este caso designa mucho más que solo el escenario.

Originalmente concebida, escrita e interpretada por Anna Deavere Smith en 1993, es una crónica de los disturbios, o el levantamiento, como muchos lo conocen ahora, que tuvo lugar en Los Ángeles luego de la absolución de cuatro oficiales de LAPD acusados ​​​​de golpear a Rodney. King durante su arresto; fue una erupción prolongada de disturbios civiles que fue noticia nacional, pero para la gente de Los Ángeles fue una experiencia profundamente traumática que dejó cicatrices persistentes. Solo por esa razón, una interpretación de la pieza de Smith en Los Ángeles se siente un poco más personal de lo que sería si se llevara a cabo en cualquier otro lugar.

Cuando se tiene en cuenta el significado adicional que conlleva el 30.º aniversario de esa interrupción seminal que sacudió la cultura del sentido de identidad de nuestra ciudad, es claro ver por qué la producción ahora en el escenario del Mark Taper Forum, el mismo lugar donde Smith montó originalmente el trabajo, podría tocar un acorde particularmente resonante para los angelinos.

Dirigida por Gregg T. Daniel, la nueva "Crepúsculo", adaptada por la propia Smith a raíz del asesinato de George Floyd para permitir la producción como una pieza de conjunto en lugar de una actuación en solitario, es muy consciente de la ventaja de jugar en casa, que complementa. con un diseño de producción que presenta imágenes de sitios locales familiares en pantallas de proyección que enmarcan y dominan visualmente el escenario. Junto con el uso frecuente del guión de nombres de calles, jerga y referencias culturales centrados en Los Ángeles, es suficiente para que la experiencia se sienta tanto como una reunión del ayuntamiento como una noche de teatro.

Eso está integrado en el material original, por supuesto. Creado por Smith a partir de transcripciones de aproximadamente 300 entrevistas que realizó personalmente, ofrece una variedad abrumadora de opiniones en conflicto y perspectivas opuestas de una amplia franja multiétnica de personas de la vida real afectadas, ya sea directa o indirectamente, por el motín, lo que da su voz el anillo inconfundible de la autenticidad y la arraiga inextricablemente en la experiencia cultural compartida de Los Ángeles. Tres décadas después, también amplifica los ecos que han estado reverberando con más fuerza desde que Estados Unidos vio por televisión el asesinato de un hombre negro en medio de una pandemia. Desde una cinta de video, una de las primeras en capturar la brutalidad policial contra una persona de color (POC ) y exponerlo a millones de pares de ojos estadounidenses a través de la transmisión de televisión, fue el catalizador que provocó los disturbios de Rodney King, también, es difícil no sorprenderse por la simetría obvia.

"La resonancia simplemente no desaparece", dice Daniel, hablando con The Blade sobre por qué revivir la pieza icónica de Smith se siente tan escalofriantemente apropiado en 2023. "Piensas, haciendo una obra de teatro que tiene treinta años, '¿es esta una pieza de museo?' – pero desafortunadamente, esta es una jugada que nunca puede envejecer, mientras estas atrocidades sigan ocurriendo". Continuó explicando: "Los últimos años, gracias a los teléfonos celulares e Internet, hemos estado expuestos a tantos mucha violencia por parte de las fuerzas del orden contra los cuerpos negros y morenos. Estaba George Floyd, por supuesto, pero también Ahmaud Arbery, Breanna Taylor, los nombres siguen apareciendo. Incluso cuando íbamos a ensayar, Tire Nichols fue asesinado en Memphis".

No hace falta decir que muchas de las audiencias de hoy están llegando al trabajo de Smith con un sentido renovado de, a riesgo de invitar a la corrupción peyorativa de la palabra (y el concepto) por parte de los detractores conservadores, "despertar" y una interpretación firmemente sostenida. de las actitudes "correctas" e "incorrectas" hacia el reconocimiento de la desigualdad racial sistémica; pero como señala Daniel, una de las características definitorias de la pieza original es su negativa a recurrir a juicios fáciles.

"Ella no está tratando de 'acusar' a un lado o al otro. Simplemente presenta Los Ángeles tal como es; estos son relatos textuales de una época que todavía estamos tratando de enfrentar, no son monólogos o cosas compuestas, son expresiones individuales de una experiencia real. Ella no está tratando de tomar partido, solo está presentando cómo son las cosas. Su relación con ella como miembro de la comunidad, viviendo en Estados Unidos: esto es lo que tenemos, y tenemos que lidiar con eso. él."

Esa negativa a caer en una perspectiva fácil es lo que eleva a "Crepúsculo" por encima del nivel de pura propaganda emocional. No es difícil enmarcar la agitación cultural sobre Rodney King o George Floyd en términos de una simplicidad literal en blanco y negro, pero enfrentar la miríada de complejidades subyacentes que contribuyeron a la forma en que cada uno de estos incidentes se desarrolló en la conciencia pública requiere menos mentalidad dogmática que eso.

Sin implicar la validez de contrapuntos reaccionarios como "TODAS las vidas importan" u otros "qué pasa con los ismos" que a menudo se sustituyen por respuestas racionales en el debate sobre la violencia policial anti-BIPOC, la dispensación mesurada del material de contradictorias- puntos de vista igualmente auténticos de una muestra multirracial y, a menudo, diametralmente opuesta de voces de Los Ángeles presenta un caso sólido para el argumento de que el uso de fuerza violenta excesiva contra cualquier persona, independientemente de su origen étnico, es un problema que va más allá de la raza .

Ese es un punto clave, en lo que respecta a Daniel, cuando se trata de reconocer el alcance de la discusión que invita "Crepúsculo". Sí, se centra en la violencia sistémica contra las POC y las complicadas luchas raciales internas, particularmente entre las comunidades coreana estadounidense y negra, enfrentadas entre sí por las circunstancias y la desigualdad económica en las comunidades en las que conviven con frecuencia, que a menudo oscurece los problemas más profundos. que subyacen desde nuestra vista; pero en última instancia, en un ámbito más amplio, el estigma de la "otredad" que infesta nuestros sistemas sociales y culturales y se extiende mucho más allá de nuestra postura insosteniblemente dividida sobre la igualdad racial y la reinvención institucional presenta una amenaza para el bienestar de cualquier comunidad, ya sea definida por raza, creencias, género, orientación sexual o cualquiera de las otras diferencias superficiales que usamos para separarnos unos de otros.

Como dice Daniel, "La intolerancia, el odio y la violencia, una vez que se perpetran contra cuerpos afroamericanos, pueden perpetrarse contra cualquier cuerpo. No es un gran salto decir que la violencia perpetrada contra las comunidades negras y BIPOC es violencia contra todas las comunidades que consideran como no ser 'estadounidense': ni siquiera está a tiro de piedra que sientan lo mismo por los estadounidenses de origen asiático, los habitantes de las islas del Pacífico, los judíos o las personas LGBTQ+. Quiero decir, ¡están tratando de prohibir los espectáculos de drag! ? ¿Piensan que ese es el problema?"

En un agudo contrapunto a tales sentimientos, la producción de Daniel de "Crepúsculo" presenta un conjunto multirracial de cinco personas, cada una de las cuales se esfuerza por ofrecer representaciones honestas de una vertiginosa variedad de personajes que abarcan la amplia y diversa combinación de etnia, género, sexualidad, ideología y estatus que conforma la propia personalidad de Los Ángeles. Todos ellos tienen momentos trascendentes, en los que el énfasis de la obra en la humanidad sobre la lealtad tribalista brilla claramente en primer plano; aun así, no se puede negar que dividir el formato unipersonal del original en un concepto que divide sus docenas de roles entre múltiples jugadores tiene el efecto indudablemente no deseado de difundir el poder del material; hay algo profundo en el hecho de que una sola voz dé expresión a una multitud de experiencias individuales, y aunque el mismo sentimiento puede despertarse cuando el número de voces se expande, algunas audiencias pueden encontrar que inevitablemente disminuye en el proceso. Aún así, la producción en el Taper da un golpe poderoso, y no sorprende que su momento más electrizante y devastador llegue cuando la cinta de video de Rodney King siendo salvajemente golpeado se reproduzca en silencio para una audiencia sorprendida y palpablemente conmovida. Quizás lo más importante es que ofrece un curso intensivo completo sobre los hechos en torno a una de las crisis culturales más importantes de Estados Unidos (y uno de los momentos más oscuros de Los Ángeles) del último medio siglo, y llena los espacios en blanco para aquellos que son demasiado jóvenes para recordar la realidad. evento de vida. Sin embargo, sobre todo, nos confronta con una verdad desagradable y nos deja menos seguros de dónde estamos que cuando entramos al teatro.

Como Daniel lo enmarca, "Si vamos a ser una ciudad que vive junta, ¿cómo nos relacionamos con lo que está en el escenario? Nuestra intención con 'Crepúsculo' no es señalar con el dedo o reprender, sino decir, como un miembro de la comunidad de Los Ángeles, un angelino, ¿cuál es su relación con estos eventos?" Esa es una razón más que suficiente para verlo; de hecho, es suficiente para que sea esencial para cualquier angelino que se enfrente a su propia relación con el llamado City of Angels. "Crepúsculo: Los Ángeles, 1992" continúa hasta el 9 de abril.

Los boletos con descuento están disponibles hasta el 2 de abril como parte de LA Theatre Week.

Las entradas y más información se pueden encontrar en el sitio web del Grupo de Teatro del Centro.

Latino Theatre Company presenta al conjunto interdisciplinario y experimental de la Ciudad de México Organización Secreta Teatro en 2 nuevas obras escénicas

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LOS ÁNGELES — Latino Theatre Company presenta al conjunto interdisciplinario y experimental de la Ciudad de México, Organización Secreta Teatro, en dos nuevas obras escénicas. Cada obra, Pueblo Espíritu y Las Diosas Subterráneas, recibirá cinco presentaciones durante un compromiso limitado de dos semanas, del 3 al 14 de mayo, en Los Angeles Theatre Center en el centro de Los Ángeles.

Pueblo Espíritu ("Spirit Town") explora una sociedad distópica pospandémica en la que los humanos renuevan su fe en el mundo espiritual como medio de supervivencia. Intentando escapar de las restricciones impuestas por la pandemia de Covid, cinco personajes se encuentran en un denso bosque. Agotados y sedientos, son temerosos y desconfiados unos de otros. Su terror aumenta cuando el último de su grupo en llegar está enfermo. Su única esperanza de supervivencia es volver a conectarse con su entorno místico.

En Las Diosas Subterráneas se entrelaza el mito griego de Deméter y su hija Perséfone, secuestradas por Hades, dios del inframundo, con la historia de Luz García, personaje basado en la vida real de mujeres secuestradas por traficantes de personas. , para contar la historia de madres que buscan a sus hijas desaparecidas y que encuentran fuerza en la comunidad.

Ambas piezas fueron creadas colectivamente por los miembros del conjunto Beatriz Cabrera, Alejandro Joan Carmarena, Brisei Guerrero, Stefanie Izquierdo, Ernesto Lecuona, Mercedes Olea y Jonathan Ramos.

Pueblo Espíritu is performed without dialogue. Las Diosas Subterráneas features minimal dialogue by Stefanie Izquierdo, Ernesto Lecuona, Mercedes Olea and Rocío Carrillo and will feature English supertitles.

Pueblo Espíritu recibirá cinco funciones, el miércoles 3 de mayo a las 20 h (estreno); jueves 4 de mayo a las 20 h; viernes 5 de mayo a las 20 h; sábado 6 de mayo a las 20 h; y el domingo 7 de mayo a las 16 h

Las Diosas Subterráneas se presenta la semana siguiente, el miércoles 10 de mayo a las 20 horas; jueves 11 de mayo a las 20 h; viernes 12 de mayo a las 20 h; sábado 13 de mayo a las 20 h; y el domingo 14 de mayo a las 16 h

Los boletos oscilan entre $ 22 y $ 48, excepto la noche de apertura (3 de mayo), que cuesta $ 58 e incluye recepciones previas y posteriores al espectáculo. El Centro de Teatro de Los Ángeles está ubicado en 514 S. Spring St., Los Ángeles, CA 90013.

El estacionamiento está disponible por $5 con validación de taquilla en la estructura Joe's Parking, 530 S. Spring St. (inmediatamente al sur del teatro).

Una hermosa imaginación del escritor e intérprete Brent Jennings de lo que su hermano con problemas mentales podría haber dicho si hubiera podido hablar.

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LOS ÁNGELES – The Echo Theatre Company presenta That Perfect Place, una hermosa imaginación del escritor e intérprete Brent Jennings de lo que su hermano con problemas mentales podría haber dicho si hubiera podido hablar.

"Crecí hace mucho, mucho tiempo. En los años 60 para ser exactos", dice Jennings. "Un momento que ahora parece una especie de aberración o invasión de extraterrestres inspiradores porque nunca ha habido otro momento como este. Un momento de cambio real y sustancial, un momento de esperanza, un momento de infinitas posibilidades, todas nuestras voces importaron. Encerradas en esa realidad, había familias que luchaban con los desafíos domésticos o familiares de sus hogares. Familias como aquella en la que crecí. Las historias presentadas en Ese lugar perfecto son una representación, una reflexión, una meditación sobre la vida de la familia que yo creció como parte de, presentado por su miembro más desafiado. Un miembro que puede haber sido el más conmovedor, sabio y compasivo de todos nosotros. Gracias por permitirme explorar este, mi proyecto de pasión, con ustedes".

Brent Jennings es un actor veterano de teatro, televisión y cine residente en Los Ángeles con una carrera de casi 40 años. Más recientemente, fue visto en televisión en el papel principal de Ernie Fontaine en la serie de televisión aclamada por la crítica Lodge 49, y ha aparecido en el papel recurrente de Grandpa Willie en el exitoso drama de CW All American durante las últimas cuatro temporadas. Otros créditos incluyen múltiples episodios de All Rise; Snowfall y la nueva comedia How to Be A Bookie para HBO Max. Otros créditos recientes incluyen Insecure y Young Sheldon.

CUANDO:2 de abril – 23 de abril• Domingos a las 19:30: 2 de abril, 9 de abril, 16 de abril, 23 de abril

DÓNDE:Echo Theatre CompanyAtwater Village Theatre3269 Casitas AveLos Ángeles, CA 90039

ESTACIONAMIENTO:GRATIS en el estacionamiento de Atwater Crossing (AXT) una cuadra al sur del teatro

PRECIO DE LOS BOLETOS:$10

Para obtener más información, visite: www.EchoTheaterCompany.com(310) 307-3753

Este año, Stage Raw está reconociendo producciones en lugares de todos los tamaños, en lugar de centrarse por completo en lugares de 99 asientos o menos.

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LOS ÁNGELES – Los Stage Raw Theatre Awards celebran la excelencia en los escenarios del área de Los Ángeles. La fiesta de premios de teatro Stage Raw "I'm Still Here" de este año reconocerá las producciones que se estrenaron en el año calendario 2022.

Stage Raw es un sitio web de periodismo profesional financiado por la comunidad que se lanzó en 2014, en respuesta a la disminución de la cobertura de las artes en los medios tradicionales y alternativos locales.

La fiesta de entrega de premios se llevará a cabo el lunes 17 de abril de 2023 por la noche en el Sassafras Saloon, 1233 N. Vine Street en Hollywood. Los boletos cuestan $ 20 para todos, si se compran con anticipación. $25 en la puerta. (La capacidad es limitada y los boletos ya no estarán disponibles una vez que se alcance esa capacidad). La entrada incluye comida, música, baile y una barra de efectivo de cortesía. Todos los ingresos se utilizarán para apoyar a los periodistas profesionales de Stage Raw y su capacidad para continuar cubriendo el teatro del área de Los Ángeles.

Las entradas se pueden comprar aquí:(Enlace)

Asegúrese de usar el código de promoción de descuento "StageRaw" para evitar la tarifa de emisión de boletos de $2.50. (Este es un servicio de la agencia de venta de entradas onstage411.com).

Este año, Stage Raw está reconociendo producciones en lugares de todos los tamaños, en lugar de centrarse por completo en lugares de 99 asientos o menos.

Además, Stage Raw ha cambiado su sistema de asignación de reconocimiento en respuesta a la falla en años anteriores de excluir producciones excelentes que no pudieron atraer un "quórum" de contribuyentes. Este año, a cada colaborador de Stage Raw se le ha asignado una cantidad de votos, en proporción a la cantidad de programas revisados ​​por Stage Raw que vieron, y han emitido sus votos a cualquier persona, producción o en cualquier categoría que elijan.

El editor fundador Steven Leigh Morris explica: "El efecto esperado de este sistema es diversificar la cantidad de empresas que reciben premios al honrar la diversidad generacional, étnica, de género y estética de nuestros colaboradores individuales, quienes seleccionarán a los ganadores de los premios".

Y, por último, todo el ambiente del evento será más una fiesta que una entrega de premios. La ceremonia real será de 30 a 45 minutos dedicados a los anuncios y la presentación de los premios "Reina de los Ángeles" y "Logros de toda una vida". Todos los demás ganadores de los premios serán nombrados durante esta ceremonia y podrán recuperar sus premios en una mesa.

COREOGRAFÍA DE LUCHA

Ahmed Best, Encapuchado o Ser negro para tontos, Echo Theatre Company

DISEÑO DE SONIDO

Dean Harada, Tea, Hero Theatre en Inner-City Arts

DISENO DE ILUMINACION

Lap Chi Chu, La búsqueda de signos de vida inteligente en el universo,

Grupo de Teatro del Centro, Mark Taper Forum

DISEÑO DE VIDEO/PROYECCIÓN

Hsuan-Kuang Hsieh, El gran debate del curl Jheri, Jugadores de East West

Nick Santiago, American Idiot de Green Day, Chance Theatre

DISEÑO ESCÉNICO

Ann Beyersdorfer, Afterglow, Midnight Theatricals en el Teatro Hudson

John Iacovelli, Los hermanos paranormales, East West Players

Cindy Lin, Untitled Baby Play, IAMA Theatre Company

Rachel Myers, El poder de la vela, Geffen Playhouse

RENDIMIENTO DE APOYO

Aimee Carrero, ¿Quién teme a Virginia Woolf?, Geffen Playhouse

Alexandra Hellquist, Por otro lado, somos felices, Rogue Machine Theatre

Michael Matts, Ángeles en América: Perestroika, Foolish Production Company

Eileen T'Kaye, Casa de muñecas, Parte II, International City Theatre

ACTUACIÓN DE COMEDIA

Brent Grimes, Encapuchado o Ser negro para tontos, Echo Theatre Company

ACTUACIÓN EN SOLITARIO

John Rubinstein, Eisenhower: This Piece of Ground, New Los Angeles Repertory Theatre Company, Theatre West y Hudson MainStage Theatre

ESCRITURA INDIVIDUAL-PERFORMANCE

Alex Alpharaoh, Wet: A DACAmented Journey, Greenway Court Theatre

Colin Campbell, Grief: A One-Man Shitshow, The Broadwater

Ben Moroski, Perro, El Broadwater

Jesús I. Valles (Un)documentos, Latino Theater Company

ESCRITURA-PERFORMANCE

Judy Carter, ¡Un escape que desafía a la muerte!, Hudson Guild Theatre

DESEMPEÑO DE LÍDERES

Hugo Armstrong, tío Vanya, teatro de Pasadena

Kevin Ashworth, Una lectura pública de un guión no producido sobre la muerte de Walt Disney, Planificadores de teatro en el Teatro Odyssey

Ramón de Ocampo, Hamlet, Antaeus Theatre Company

Jenny O'Hara, pequeño teatro, Rogue Machine Theatre

Zachary Quinto, ¿Quién teme a Virginia Woolf?, Geffen Playhouse

Jennifer Shelton, Casa de muñecas, Parte II, International City Theatre

Michael A. Shepperd, Canción del Valle, Teatro de la Ciudad Internacional

Kalean Ung, Macbeth, Independent Shakespeare Co.

DIRECCIÓN

Nancy Lantis, The Sandman, Eclipse Theatre LA y Santa Clarita Shakespeare Festival

DIRECCIÓN DE COMEDIA

Ahmed Best, Encapuchado o Ser negro para tontos, Echo Theatre Company

DIRECCIÓN/ENSAMBLAJE

Will Block y el conjunto de All is True o Henry VIII, The Porters of Hellsgate Theatre Company

Gregg T. Daniel y el conjunto de Radio Golf, A Noise Within

CONJUNTO DE COMEDIA

¿No puedes pagar? ¡No Pagues!, La Pandilla de los Actores

CONJUNTO

Anna en Los trópicos, un ruido interior

Blues para un cielo de Alabama, Center Theatre Group/Mark Taper Forum

El Museo Coloreado, Loft Ensemble

Estilo libre amor supremo, teatro de pasadena,

Si nadie hace cosas notables, Pandora Productions en el Garage Theatre

La herencia, Geffen Playhouse

Masao y el ruiseñor de bronce, CASA 0101 y el Museo Nacional Japonés Americano

ADAPTACIÓN

James Fowler, Sueño de una noche de verano, Compañía de teatro Open Fist

JUGAR A ESCRIBIR

Carla Ching, Venganza porno, Compañía de teatro de municiones

Bernardo Cubria, La Obra Que Quieres, Compañía de Teatro de Carretera

Kelly McBurnette-Andronicos, La casa de la ruina final, El salto de Ofelia

Murray Mednick, Three Tables, Padua Dramaturgos en el Teatro Zephyr

EXCELENCIA EN PRODUCCIÓN EN CUENTOS QUEER

Jugadores de la Interestatal, Este Oeste

REVIVIMIENTO MUSICAL DISTINGUIDO

¡Oklahoma! Grupo de Teatro del Centro/Teatro Ahmanson

PRODUCCIÓN DISTINGUIDA

Sueño de una noche de verano, Teatro Puño Abierto

La Penelopiada, City Garage

Roe, Teatro de la Fuente

Tío Vanya, Pasadena Playhouse

TEMPORADA DISTINGUIDA

The Road Theatre Company (The Play You Want, Beloved, Bright Half Life, según el coro)

LOGRO DE LA VIDA

Maria Gobetti y Tom Ormeny (Victory Theatre Center)

Frederique Michel y Charles Duncombe (City Garage)

REINA DE LOS ÁNGELES

La Coalición SB116 (Teri Ball, Beatrice Casagran, Elina DeSantos, Emmanuel Deleage, Martha Demson, Christopher Maikish, Leo Marks, Marc Antonio Pritchett y Vanessa Stewart)

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La fiesta de premios de teatro Stage Raw "I'm Still Here" de 2023 cuenta con el apoyo del generoso patrocinio de las siguientes compañías e individuos: Antaeus Theatre Company, Crimson Square Theatre, Dina Morrone, DEMAND PR, The Geffen Playhouse, The Hudson Theatres, IAMA Theatre Company, Lucy Pollak Public Relations, Macha Theatre Company, Ophelia's Jump, Road Theatre Company, Sandra Kuker Public Relations, Santa Monica Playhouse, Sierra Madre Playhouse, Theatre 40, Theatre of NOTE y The Victory Theatre Center.

El espectáculo abre el viernes 24 de marzo y se extenderá hasta el domingo 2 de abril de 2023 en el Kavli Theatre en el Bank of America Performing Arts Center

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THOUSAND OAKS, Calif. – 5-STAR THEATRICALS se enorgullece en anunciar el primer espectáculo de su temporada 2023-2024, ganador del premio Tony, RAGTIME: THE MUSICAL, libreto de Terrence McNally, música de Lynn Ahrens, letra de Steven Flaherty, director y dirección musical de Tom Griffin, coreografía de Michelle Elkin y dirección de Jeffrey Polk.

RAGTIME: THE MUSICAL se estrena el viernes 24 de marzo de 2023 y se extenderá hasta el domingo 2 de abril de 2023 en el Kavli Theatre en el Bank of America Performing Arts Center (anteriormente Thousand Oaks Civic Arts Plaza), 2100 Thousand Oaks Boulevard en Thousand Oaks .

Basado en la novela de EL Doctorow, este tapiz musical representa a una familia afroamericana, una familia de inmigrantes judíos y una familia suburbana blanca adinerada en los Estados Unidos de principios de siglo, que chocan en busca del Sueño Americano.

Nominado a 13 premios Tony Awards®, incluido el de "Mejor musical" y ganador de "Mejor partitura original" y "Mejor libreto de un musical", Ragtime es un poderoso retrato de la vida durante el cambio de siglo, que explora las eternas contradicciones de Estados Unidos. de libertad y prejuicio, riqueza y pobreza, esperanza y desesperación.

JEFFREY POLK (Director) Dirigida y coreografiada: The Color Purple, Smokey Joe's Cafe, Memphis (The Musical), Ain't Misbehavin'. Coreografía: Dreamgirls, (TUTS, Houston con Sheldon Epps, Director), Kiss Me, Kate, (Pasadena Playhouse, Sheldon Epps, Director), Blues In The Night, (The Wallis, Beverly Hills, Sheldon Epps, Director). Director invitado con "The Young Americans" y "Heartglobal Outreach World Tours". El Sr. Polk se ha presentado en Broadway, giras nacionales, televisión y cine.

MICHELLE ELKIN (Coreografía) Los créditos seleccionados incluyen: "Sutton Foster Live" con Jonathan Groff (PBS), coreógrafo residente de "Young Sheldon" (CBS), "Younger" (TV Land), "The Wonderful Mrs. Maisel" (Amazon), "Me And My Grandma" con Rhea Perlman, "Baby Daddy" (ABC Family), el piloto de TNT "Dawn" dirigido por Sam Raimi, el reality show de Lifetime "Your Mama Don't Dance", "Kristin" protagonizada por Kristin Chenoweth y tap secuencias en "Bunheads" de ABC Family. Teatro: números musicales en vivo con el ganador del premio Tony Sutton Foster con el invitado especial Joshua Henry para la NSO en el Kennedy Center, New York Pops en el Carnegie Hall y la Sinfónica de Houston. Teatro: Something Rotten (Nominado mundial de Broadway) Sister Act The Musical (Nominado mundial de Broadway), El jorobado de Notre Dame (Nominado mundial de Broadway) Children Of Eden (Nominado mundial de Broadway); La pequeña tienda de los horrores (Straz Center), The Goodbye Girl (MTG). Largometrajes: Wild Hogs, What Just Happened. Los créditos de coreógrafo asociado incluyen; "Dancing With The Stars", Sister Act en Pasadena Playhouse, "Premios Emmy" con Jane Lynch, "Premios de la Academia" con Hugh Jackman y el espectáculo de Broadway Wonderland (Marquis Theatre).

TOM GRIFFIN (Director musical/director) es un director musical y director de orquesta de teatro musical profesional reconocido a nivel nacional.

Tom fue director musical de las producciones de Los Ángeles de Disney's Beauty and The Beast, The Music Man, Annie, "13" The Musical, Bye Bye Birdie, Sweet Charity, West Side Story, The Scarlet Pimpernel y Joseph & The Amazing Technicolor Dreamcoat, la gira nacional de My Fair Lady para Theatre Of The Stars, las producciones de Alabama Shakespeare Festival de A Christmas Carol, Peter Pan, 25th Annual Putnum County Spelling Bee, Disney's Mary Poppins, el estreno en la costa este y el Taller de Nueva York de Truman Capote's A Christmas Las producciones de Memory y The Pioneer Theatre Company de Once, A Christmas Carol, Elf, The Musical, Peter & The Starcatcher, Oliver, Newsies y Once On This Island.

Tom ha recibido premios por su dirección musical de espectáculos, incluida la reposición en Broadway de You're a Good Man Charlie Brown (estreno en Los Ángeles), por la que recibió un premio Garland a la mejor dirección musical, y Side Show (estreno en Los Ángeles), por la que recibió un Premio de la Crítica de Drama de Los Ángeles a la Mejor Dirección Musical, así como ocho nominaciones al Premio Theatre LA Ovation.

Tom fue el director musical de La Bella y la Bestia de Disney en dos giras nacionales y se desempeñó nuevamente como director musical para la presentación del espectáculo en el Teatro Fox en Atlanta. Las otras producciones de Tom incluyen Grease, The Mystery of Edmond Drood, el estreno en la costa oeste de My Way, A Connecticut Yankee, Honk! El musical, los estrenos en la costa oeste y Los Ángeles de The Last Five Years, el estreno en la costa oeste de The Spitfire Grill, 70 Girls 70, Baby, Alicia en el país de las maravillas, Cenicienta, La bella durmiente, El libro de la selva, Aladdin, Fatty, Oklahoma, The Wizard of Oz, Inside the Music y Club Indigo, por la que también ganó un premio DramaLogue a la Mejor Dirección Musical.

El elenco de RAGTIME: EL MUSICAL contará con Marty Austin Lamar como "Coalhouse", Brittany Anderson como "Sarah", Misty Cotton como "Madre", Michael Scott Harris como "Padre", Hank Jacobs como "Tateh", Samantha Wynn-Greenstone como "Emma Goldman", Ceron Jones como "Booker T", Monica Ricketts como "Evelyn Nesbit", Jeremy Ingraham como "Hermano menor", Steven Perren como "Abuelo", Jacob Hoff como "Harry Houdini", Josh Christoff como "JP Morgan", Davis Hamilton como "Henry Ford", Lila Dunham como "Little Girl", Daxton Bethoney como "Little Boy (Edgar)" y Jordan Jackson como "Sarah's Friend/Ensemble".

El Conjunto contará con (en orden alfabético): Christopher D. Baker, Emily Cochrane, Domo D'DAnte, BK Dawson, Julia Feeley, Glen Hall, Tyler Marshall, Almand Martin, Jr., Donovan Mendelovitz, Kristen O'Connell, Will Riddle, Zara Saje, Leasa Shukiar, Kumari Small, Tania Pasano Storrs y Dekontee Tucrkile.

El Conjunto Juvenil contará con (en orden alfabético): Delilah Bank, Tanner Cox, Camryn Daniels, Madelyn Freidman, Harley Gray, Harrington Gwin, Madison North, Calulla Sawyer, Weston Walker-Pardee, Poppi Wilbur-McDaniels y Olivia Zenetzis.

El equipo de diseño de RAGTIME: THE MUSICAL presenta: Diseño de iluminación de Brandon Baruch; Diseño de Vestuario por Shon LeBlanc; Diseño de sonido por Jonathan Burke; Diseño de utilería por Alex Choate; Diseño de cabello y peluca por Luis Ramirez. El director de escena de producción es Erin Nicole Eggers.

RAGTIME: THE MUSICAL se estrena el viernes 24 de marzo y se extenderá hasta el domingo 2 de abril de 2023 en el Kavli Theatre en el Bank of America Performing Arts Center (anteriormente Thousand Oaks Civic Arts Plaza), 2100 Thousand Oaks Boulevard en Thousand Oaks.

Las funciones son los viernes a las 8:00 p. m.; sábados a las 14 y 20 horas; domingo 24 de marzo a las 14 h y domingo 2 de abril a las 13 h; con una función adicional el jueves 30 de marzo a las 7:30 p. m.

Los boletos ya están a la venta y se pueden comprar en la boletería del Bank of America Performing Arts Center ubicada en 2100 Thousand Oaks Boulevard en Thousand Oaks, o a través de www.5startheatricals.com, o por teléfono al (800) 745-3000.

Para grupos de 10 o más, llame a Group Sales, 5-STAR THEATRICAS al (805) 497-8613 x 1.

Los precios de las entradas oscilan entre $ 35 y $ 90. Para obtener información sobre boletos y teatros, llame al (805) 449-ARTS (2787).

Ya no habrá requisitos de vacunación contra el COVID para el Centro de Artes Escénicas de Bank of America. De conformidad con la Orden de Salud Pública del Condado de Ventura, se recomienda encarecidamente el uso de máscaras o cubiertas faciales para todas las personas, independientemente del estado de vacunación.

Ubicada en el corazón del distrito NoHo Arts, la compañía ha llamado hogar al Centro Histórico de Artes Lankershim durante las últimas 26 temporadas.

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NORTH HOLLYWOOD: The Road Theatre Company y Taylor Gilbert, fundador/director artístico, junto con Sam Anderson, director artístico, siguen comprometidos con su significativa misión de producir y desarrollar New Work for the Stage creando obras desde abajo hacia arriba. Con Carlyle King, Jessica Broutt, el sueño se hizo realidad. Lo llamaron EN CONSTRUCCIÓN - NEW PLAY SLAMFEST 3.

Once nuevos dramaturgos exhibirán sus obras que fueron desarrolladas durante el proceso de gestación de diez meses. EN CONSTRUCCIÓN: NUEVA OBRA SLAMFEST 3 es algo especial y único en ROAD y sus dramaturgos continúan cosechando éxito en todo el país. ¡Recientemente, la compañía agregó Steppenwolf a la lista!

Aquí está la alineación para las tres semanas:

17 de febrero – 8pm: A True Tragedie de Jason Gray Platt, dirigida por Nancy Fassett.

En la Inglaterra isabelina, una compañía de teatro en apuros intenta hacerse un nombre inventando un género narrativo completamente nuevo. Piensa en Shakespeare enamorado.

18 de febrero – 8pm: Gentlemen & Ladies de Alyssa Haddad-Chin, dirigida por Ann Hearn Tobolowsky. Cuando un grupo de derechos de los hombres se desconecta de Internet y se reúne en persona, ¡un nuevo miembro amenaza con cambiar las cosas!

19 de febrero – 14 h: STILL de Lia Romeo, dirigida por Michelle Bossy.

Hace 30 años, Helen y Mark se separaron. Ahora él se postula para el Congreso y ella tiene un secreto que podría descarrilar su candidatura. Una obra sobre el amor perdido y las formas en que la gente cambia... o no.

19 de febrero – 19:30 h: disconformidad de Mak Shealy, dirigida por Kristina Cole Geddes.

Estudiantes de posgrado en geología, unidos por un amor compartido de tratar de descifrar los secretos de la tierra antigua. En el centro de todo, la curiosidad y el miedo luchan mientras buscamos una forma significativa de medir nuestro tiempo aquí.

24 de febrero a las 20:00 h: FIESTA de Adam Hunter Howard, dirigida por Allan Wasserman.

FEAST es una obra de teatro sobre generaciones: aquellos que hemos honrado, aquellos que hemos perdido y aquellos que nunca conocimos".

25 de febrero a las 20 h: REUNIÓN de Rafael Yglesias, dirigida por Sam Anderson.

Después de décadas de ocultar la verdad a sus seres queridos, ¿qué pasará cuando revelen su verdadero yo? Y cuando finalmente se enfrenten con sus verdades separadas, ¿eso los sanará o los romperá?

27 de febrero- 8pm ELECTRIC, I de Shayne Eastin, dirigida por Adrian Alex Cruz.

¿Qué significa proyectar el "yo"? Un grupo de creativos, científicos, empresarios y delincuentes exploran esta cuestión en la era temprana del cine y en un futuro lejano.

3 de marzo a las 8 p. m.: The Sporting Life de Marjorie Muller, dirigida por April Webster.

La nueva novia de papá es una asesina en serie y, sinceramente, es un poco icónica. Dot, de 16 años, todavía no ha tenido su período. The Sporting Life es una historia de 'esta chica ahora es una mujer' brutalmente abierta.

4 de marzo a las 8 p. m. Alisha Firewind de Ryan Elliot Wilson, dirigida por Darryl Johnson.

La familia Parson se las arregla, como todos los demás que no son fascistas, perdón, un 'patriota'. Vigilado por vecinos, todo es difícil. Pero tal vez, solo tal vez, Alisha Firewind, una cabeza de mula de taxidermia terapéutica, los ayude a cantar sus luchas.

5 de marzo - 2pm Memory of Winter de Tira Palmquist, dirigida por Beth Lopes.

Es invierno por ahora. Y Billie Peterson está en Minnesota, nuevamente, por ahora. Está aceptando el hecho de que ni siquiera el lago más frío, profundo y grande de América del Norte es inmune a los efectos del cambio climático.

5 de marzo - 19:30 h: Singularities or the Computers of Venus escrito por Laura Stribling.

¿Qué vemos cuando miramos la estrella? ¿El pasado? ¿El futuro? ¿Nuestros propios límites? Ambientada en 3 períodos de tiempo diferentes, las vidas de las mujeres astrónomas miran la luz, el amor y el infinito.

LA COMPAÑÍA DE TEATRO DE CARRETERA:

Colonia de artes para personas mayores de NoHo

10747 W. Magnolia Blvd.,

Los Angeles, CA 91601

Ubicada en el corazón del distrito NoHo Arts, el distrito artístico de más rápido crecimiento en el condado de Los Ángeles, la compañía ha llamado hogar al Centro Histórico de Artes Lankershim durante las últimas 26 temporadas. The Road Theatre Company es un teatro ganador de múltiples premios que ha sido nombrado una de las diez mejores compañías de teatro íntimo de Los Ángeles. Es el hogar de más de 150 artistas de teatro dedicados a la creación del más alto nivel de trabajo. Este festival es producido por arreglo especial con SAG-AFTRA.

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El 14.º Festival Anual de Dramaturgos de Verano se llevará a cabo durante diez emocionantes días del viernes 7 de julio al domingo 16 de julio de 2023.

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HOLLYWOOD – En un mundo que parece regido cada vez más por las actuaciones de Tik Tok y la transmisión de medios a través de nuestros teléfonos, la madrina/padre de todos los medios sigue siendo el rey supremo: el teatro en vivo.

Los psicólogos lo han estudiado y han descubierto que los asistentes al teatro flexionan más sus cerebros, desarrollan un pensamiento crítico, profundizan en la autoconciencia y abren una empatía profundamente sentida. Un proyecto científico encontró que después de una producción de teatro en vivo, los espectadores "mostraron cambios en sus actitudes hacia la discriminación racial, la desigualdad de ingresos, el bienestar, las regulaciones corporativas, la redistribución de la riqueza y la acción afirmativa. También aumentaron sus donaciones caritativas después de la actuación".

Si bien nunca siguió a un influencer de YouTube, el retador de las costumbres de la sociedad, Oscar Wilde dijo: "Considero el teatro como la más grande de todas las formas de arte, la forma más inmediata en que un ser humano puede compartir con otro el sentido de lo que es". ser un ser humano".

The Road Theatre Company, un teatro galardonado con múltiples premios y nombrado como una de las diez mejores compañías de teatro íntimo, es la fuente del teatro creativo de Los Ángeles. Representa todo lo que el teatro debería y debe ser para alimentar la mente y el alma imaginativa y de pensamiento crítico de los Estados Unidos. Su misión no es solo presentar teatro, es crearlo. Ubicada en el corazón del Noho Arts District, la compañía es un conjunto de más de 150 artistas de teatro ferozmente comprometidos con el desarrollo de nuevas obras. Para promover esa misión, la compañía ha lanzadoBajo construcción, un grupo colaborativo de dramaturgos nuevos y establecidos dedicados a la narración social y políticamente relevante para el escenario estadounidense.

Taylor Gilbert, el fundador y director artístico, me dijo: "The Road Theatre Company se inició cuando un grupo de actores, incluido yo mismo, estaban en una obra muy mala. Dejamos el escenario después de su segunda función. Limpiamos el camerino y dijo: '¡Podemos hacerlo mejor que esto!' Entramos en Jerry's Deli y empezamos a hacer una lluvia de ideas. Dos meses después, con un grupo de compañeros actores de todas partes, abrimos en un distrito de almacenes muy lúgubre pero emocionante y hemos sido fieles a nuestra misión desde: Producir nuevas políticas y/o socialmente relevantes. trabajo que no se había visto antes en Los Ángeles. Ahora, 31 años después, todavía nos esforzamos por hacer precisamente eso".

Autores y dramaturgos LGBTQ y aliados, ¡esta es tu oportunidad de ser descubierto!

Hace catorce años, después de más de una década y media de éxito produciendo nuevas obras, Road Theatre Company amplió la iniciativa para encontrar nuevas obras con el lanzamiento del Festival de Dramaturgos de Verano.

El festival es ahora uno de los festivales de lectura escenificados más grandes de la nación.

El concepto es simple. Los dramaturgos envían su trabajo a ciegas, su identidad es esencialmente anónima y los cientos de presentaciones son examinadas por un grupo de lectores designados. Esos lectores luego elevan a los finalistas a la junta artística que toma las decisiones finales. Los diez ganadores de ese proceso se presentan como las lecturas escénicas que componen el festival. El 14º Festival Anual de Dramaturgos de Verano se llevará a cabo durante diez emocionantes días desde el viernes 7 de julio hasta el domingo 16 de julio de 2023. Cada lectura es seguida por una conversación con el dramaturgo y el director.

Las presentaciones de dramaturgos provienen de todo el país, y el festival es una gran oportunidad para que los escritores LGBTQ hagan que sus historias sean escuchadas y presentadas. "Tenemos dramaturgos que no han hecho nada, tenemos dramaturgos que han sido producidos en Broadway", me dice Taylor. "Puedes tener cualquier origen en la escritura y si tu obra es buena, la veremos. La leeremos".

Continúa: "No estamos buscando algo específico, solo estamos buscando un escritor que nos haga perder la cabeza un poco. Estamos buscando algo que sea emocionante, nuevo y joven. Es interesante para nosotros poder mirar una obra que podamos emitir de cualquier manera que creamos posible, abriendo nuestro casting y haciendo un casting consciente que refleje un festival y una compañía más diversa e inclusiva".

"Creo que en este momento, probablemente estemos buscando cosas para un elenco de alrededor de cuatro o cinco personas. Ese elenco brinda la oportunidad con el presupuesto más pequeño que tenemos para poder producir más espectáculos durante el año. Eso no significa que no podamos hacer una lectura de una obra que tenga un elenco más grande que eso. Y no significa que no la vamos a producir”.

Taylor da una idea de lo que le dirían las presentaciones: "Cuando leo algo que siento que es honesto, real y cercano al corazón de alguien. Eso es lo que me atrae en una obra. Y no significa que tenga que ser vulgar, lo que puede ser, o algo fantástico. Apreciamos las historias que incluyen historias LGBTQ+. Hicimos una la temporada pasada. Fue una producción fantástica, esa pieza. Nos encanta poder producir lo que sea que creamos que está tan bellamente escrito que solo necesita ser visto."

Los dramaturgos anteriores que han sido aceptados incluyen a John Patrick Shanley, Steve Yockey, William Mastrosimone, Harrison David Rivers, Jami Brandli, Lisa B. Thompson, Franky D. Gonzalez, DL Coburn, Lisa Loomer, Sharr White, Marisa Wegrzyn, Craig Wright, Wendy Macleod, Lucy Thurber, Mo Gaffney, Keith Huff, Brett Neveu, Scooter Pietsch, Craig Pospisil, Julie Marie Myatt y Martyna Majok.

Los artistas que realizaron las lecturas incluyeron a Bryan Cranston, Laurie Metcalf, Jason Alexander, Zachary Quinto, Ann Cusack, Kathy Baker, Jennifer Tilly, Perry King, Rondi Reed, Tom Irwin, Nancy Travis, Gregory Harrison, Gale Harold, Robert Pine, Michael O. 'Neill, Harold Gould, Jon Polito, James Eckhouse, Lila Crawford y Zoe Perry.

Para enviar su obra, use este enlace: https://roadtheatre.org/event/summer-playwrights-festival-14-submission-info/

– Cada presentación es leída y evaluada por los miembros de Road Company con recomendaciones hechas a la Junta Artística y a los Productores de SPF que luego leen y evalúan los guiones recomendados y toman las decisiones finales para las obras que se interpretarán en SPF14.

-Cada obra recibe un mínimo de dos evaluaciones de lectura. El personal de SPF14 lamenta que no proporcionemos comentarios sobre ningún material enviado.

-Este año, SPF se esforzará por reducir aún más el sesgo de nuestro proceso de evaluación, al mismo tiempo que tendrá en cuenta la raza, el género y otros factores en nuestra elección de jugadas. Estamos pidiendo a los dramaturgos que eliminen toda la información de identificación de sus guiones.

-Obras de cualquier duración o género son elegibles.

-Para ser incluido en SPF 14, el trabajo debe permanecer sin producir en la costa oeste y sin publicar hasta el 16 de julio de 2023.

-Se recomienda encarecidamente la presentación anticipada.

-No se requiere agente.

-ÚNICAMENTE se aceptan solicitudes de copia electrónica. No copias impresas, por favor.

-Todos los guiones deben estar en formato de archivo PDF. No se aceptarán presentaciones en papel.

-Elimine TODA la información de identificación sobre el dramaturgo del guión.

-El título de su archivo debe ser el título de la obra solamente.

-Las obras deben estar paginadas e incluir una lista de personajes.

-Incluya una sinopsis de su obra en el formulario de envío.

-Aceptaremos envíos para SPF 14 entre el 1 de febrero y el 15 de marzo de 2023 a las 11:59 p.

-Las obras de teatro de todas las duraciones (diez minutos, un acto, de larga duración) son elegibles para su presentación durante este tiempo.

-Las selecciones oficiales de SPF 14 se anunciarán el 7 de junio de 2023.

-$20 para guiones de más de 30 páginas (formato completo) y $15 para guiones de menos de 30 páginas (forma corta).

-La tarifa se puede enviar a través de este enlace: Tarifa de envío de SPF

Tras el pago, recibirá dos correos electrónicos en su bandeja de entrada. El primero será un recibo de pago y el segundo incluirá detalles con instrucciones para enviar el guión.

Si la tarifa es una dificultad financiera, envíe un correo electrónico a [email protected] para que no se le aplique, sin hacer preguntas.

Para todas las consultas y más información, comuníquese con:www.facebook.com/roadtheatre www.instagram.com/roadtheatre www.twitter.com/roadtheatre www.youtube.com/roadtheatrecompany

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Rob Watson es el presentador del popular programa de radio/podcast basado en Hollywood RATED LGBT RADIO.

Es un columnista y bloguero LGBTQ establecido que ha escrito para muchas de las principales publicaciones en línea, incluidas Parents Magazine, Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, New Civil Rights Movement y más.

Se desempeñó como editor ejecutivo de The Good Man Project, apareció en MSNBC y fue citado en Business Week y Forbes Magazine.

Es director general de Watson Writes, una agencia de comunicaciones de marketing, y se le puede contactar en [email protected] .

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